◆YUKI-SIS◆--ユキシス--◆YUKI-SIS 宮脇周作 宮岡俊夫 服部知佳 STILL/LIFE 展

Shusaku Miyawaki Toshio Miyaoka Chika Hattori

宮脇周作　宮岡俊夫　服部知佳
STILL/ LIFE

会期

2026.7.18（Sat）- 8.1（Sat）
日、月休廊　 Closed on Sundays, Mondays
12:00～19:00

YUKI-SIS では、2026年7月18日（土）より、宮脇周作、宮岡俊夫、服部知佳の３名の作家による展覧会、「STILL / LIFE」を開催いたします。

今回の展覧会でご紹介する作家は宮脇周作、宮岡俊夫、服部知佳、の3人です。彼らは油彩、キャンバスという同じ技法で制作していますが、それぞれが異なるモチーフへのアプローチの仕方を試みています。そのモチーフは、[STILL / LIFE]。

俗にいう静物ですが、今回は生物も含めた意味で「静と生」をテーマに作家を選出致しました。

YUKI-SIS is pleased to present STILL / LIFE, a group exhibition featuring Shusaku Miyawaki, Toshio Miyaoka, and Chika Hattori, on view from Saturday, July 18, 2026.

Although all three artists work with the same medium—oil on canvas—each approaches the motif from a distinctly different perspective. The exhibition centers on the theme of STILL / LIFE. While still life conventionally refers to the depiction of inanimate objects, this exhibition expands the term to encompass living beings as well, exploring the dual meanings of stillness and life. The participating artists have been selected for the unique ways in which their practices engage with these intertwined ideas.

宮脇周作 12個のりんご

宮脇周作 12個のりんご　455x273 （M8）油彩、キャンバス　2026　

宮脇周作　Shusaku MIYAWAKI

1980年福岡県生まれ。　2003年成安造形大学造形学部デザイン科イラストレーション群イラストレーションクラス卒業。

現在は、東京在住。日本テレビの法廷画家として活動しながら、自身の作品を制作しています

Born in 1980 in Fukuoka Prefecture.　Graduated from Seian University of Art and Design, Department of Design, Illustration Group Illustration Class in 2003. Currently resides in Tokyo. Works as a court painter for Nihon Television while creating his own artwork.

宮脇は被写体を10秒見つめると、その姿を忠実に絵に再現できるといいます。その特殊な力は、その形や色などを瞬時につかみ取る能力だけでなく、そのものが持つ「気」を感じ取る能力が非常に優れている彼の特質によるものです。法廷画家として活躍する彼は、注目度が高い裁判では数秒しか着席しつづけることができないといいますが、しかし、そこに「存在したこと」の空気を鉛筆で短い時間に紙に残さなければなりません（法廷では鉛筆しか持ち込むことができないので、法廷の外で着色するそう）。わずかな人の表情の差や視線など、彼が短い間に気づく能力は、私たちが想像しえないほどのものです。

Miyawaki says that after observing a subject for just ten seconds, he is able to reproduce their likeness with remarkable accuracy. This extraordinary ability stems not only from his capacity to instantly grasp a subject's form, color, and other visual characteristics, but also from his exceptional sensitivity to perceiving the ki—the vital presence or energy—that each subject possesses.

As a courtroom sketch artist, Miyawaki often covers high-profile trials, where he may be allowed to remain seated for only a matter of seconds. Yet within that brief moment, he must capture, in pencil, the atmosphere of having been there—the very sense of the subject's presence—on paper. (Because only pencils are permitted inside the courtroom, the sketches are colored later, outside the courtroom.)

His ability to notice the slightest changes in a person's facial expression, the direction of a gaze, and countless other subtle details within such a short span of time is far beyond what most of us can imagine.

宮脇周作洋キクA

宮脇周作洋キクA　273x273 (S3) 　油彩、キャンバス 2024

そんな彼が描く静物画は、花や果実などをモチーフとして描かれます。彼はまた写真を一切とらず、作品を描き終えるまでの時間を実際にモチーフを目の前にして過ごします。

つまり、彼の作品には、彼のそのモチーフを見つめながら描く時間70～100時間、すなわち２～３週間分の時間が閉じ込められているということになります。

花はやがてしおれてその花弁を落とし、果実はその実を傷めていきます。そのモチーフのわずかな変化や息づかい、その瞬間の連続を宮脇は真摯にキャンバスに映しとっていきます。

In contrast, Miyawaki's still-life paintings take flowers and fruit as their primary motifs. He never works from photographs. Instead, he remains in the presence of the subject throughout the entire process of painting, observing it directly until the work is complete.

Each painting thus becomes a repository of the seventy to one hundred hours—roughly two to three weeks—that he spends in sustained dialogue with its motif.

Over that time, flowers gradually wilt and shed their petals, while fruit ripens, bruises, and slowly begins to decay. Miyawaki attentively records these subtle transformations, capturing not only the visible changes but also the quiet rhythm of life unfolding before him. His paintings preserve an accumulation of fleeting moments, inviting viewers to experience the passage of time as something tangible upon the canvas.

宮脇周作　6つのりんご

宮脇周作　6つのりんご　273x273 （S3）油彩、キャンバス　2026

彼の作品にはどこか「死への畏敬の念」を感じます。「法廷では命の重さをいつも感じる」と宮脇は話します。ひとつの命が亡くなることで、こんなにも悲しみや憎悪、強い感情がおこる「命」という存在を、いつも法廷で感じている彼だからこそ、静物のもつ生にも同じ気持ちで臨み、より時間をかけ見つめることでその生を絵に残すこと。最近ようやく、その変化を残すことに自分のテクニックが追い付いてきた、と話します。

「普段の人や風景は、変化が速すぎて、全てを作品に封じ込めることが難しい。だから動かずにただそこにいてくれる静物に惹かれるのです」

花や果物が確かに目の前にあった（いまはもうない）感が絵にでてくれたら、と思って描いているという。

There is, perhaps, an unmistakable sense of reverence in Miyawaki's paintings—a quiet awareness of mortality. "In the courtroom, I am constantly confronted with the weight of life," he reflects. Witnessing how the loss of a single life can give rise to profound grief, anger, and countless other emotions has made him acutely conscious of the significance of life itself. It is with that same attentiveness that he approaches the living presence of flowers and fruit, spending weeks observing them so that their vitality—and its gradual transformation—may be preserved on the canvas. Only recently, he says, has his technique begun to match his desire to capture those subtle changes.

"People and landscapes change too quickly. It is impossible to contain everything they are within a single painting. That is why I am drawn to still life—subjects that simply remain there before me."

Miyawaki explains that he hopes his paintings will convey the unmistakable feeling that the flowers and fruit once truly existed before him—even though they are no longer there. In this way, each work becomes not merely a depiction of its subject, but a quiet record of a life that has passed through time.

宮脇周作洋キクB

宮脇周作洋キクB　273x273 S3　油彩、キャンバス　2024

【Artist Note】

普段は油彩でりんごや花を何度も繰り返し描くことが多いです。

写真は使わず目の前にあるモチーフを枯れるまで、朽ちるまで描き込んでいきます。

描いては消し、描いては消しの反復で生まれた思考の痕跡のようなものも調子（濃淡）とした画肌になっていきます。

基本的にはりんごなどのモチーフにグッとフォーカスしていますので、意識のいっていないところは流し描き込まず省略することが多く背景やモチーフ台は曖昧になっています。

長年同じようなモチーフ（静物）を描き続けたポール・セザンヌやジョルジョ・モランディが昔から好きです。

この数年は色に興味をもち、画面の色彩は徐々に豊かになってきていると思います。（昔から使っている絵具の種類はほぼかわらないのですが）

今回の作品も半分がりんごの絵になっています。見ているりんごは子供の頃から変わらないのですが、私の見方や考え方、画家としての経験値によって画面がどんどん変化、進化していく感じが面白く思うところです。

りんごのかたちや色は単純に好きです。

それとりんごをよく描く理由は、私は1枚の絵を描くのにだいたい3週間ほど（70時間～100時間）くらいかかります。

りんごが丁度、3週間ほどで腐ってしまいます。りんごが朽ちる時間と絵が仕上がる時間が同じということになります。

これもりんごを繰り返し描いてこれている理由のひとつだと思います。

その3週間の時間を1つの画面に定点カメラのように定着させていきます。

元気な頃のりんごと朽ちていくりんごが画面の中でグラデーションになっていきます。自然光で描くことも多く、朝方の光と夕方の光、晴れの日雨の日の光も1つの画面にミックスされたりもします。

種類にもよりますが、花はどうしても1週間もたないので早描きになります。

いずれにせよ、繰り返し同じモノを描きますが、気をつけていることは「何度みてもはじめて対峙したような、そしてもう二度と見れないかもしれない」そんな気持ちで日々描いています。

かたちあるものはいつか朽ちたり壊れたりなくなったりするもので、その儚さや虚しさを表現しているところもあります。

先日もお話ししました、直接的な表現はしませんが毎週裁判所で見聞きする、凄惨な事件や事故にたいする鎮魂（祈り）の意味合いも少しあるように思えます。

何か心の中にわいてくるザラッとした嫌な感じも素直に画面に出すようにしています。静物画にも色んな思いを込めてえがけます。

宮脇周作

[Artist Note]

I often return to the same motifs—apples and flowers—painting them over and over again in oil.

I never work from photographs. Instead, I paint directly from life, remaining with the subject until it withers or decays. Throughout the process, I repeatedly paint and erase, paint and erase. The traces of that sustained dialogue—the record of my thinking—gradually become part of the painting's surface, emerging as subtle shifts of tone and texture.

My attention is intensely focused on the motif itself. Areas that fall outside that concentration are often left only loosely described or omitted altogether, which is why the backgrounds and supporting surfaces tend to remain ambiguous.

I have long admired artists such as Paul Cézanne and Giorgio Morandi, who devoted themselves to painting similar still-life subjects throughout their careers.

Over the past several years, I have become increasingly interested in color, and I feel that the palette of my paintings has gradually grown richer, even though the paints I use have remained almost exactly the same.

About half of the works in this exhibition depict apples. The apples themselves have not changed since I first began observing them as a child, yet my way of seeing, my way of thinking, and my experience as a painter continue to evolve. It is fascinating to me that the paintings themselves keep changing and developing in response. I also simply love the form and color of apples.

There is another reason why I paint apples so often. A single painting usually takes me around three weeks—between seventy and one hundred hours—to complete. By that time, an apple has typically begun to decay. In other words, the time it takes for the apple to perish coincides with the time it takes for the painting to come into being. I believe this is one of the reasons I have continued to return to apples as a motif.

Over those three weeks, I attempt to preserve the passage of time within a single canvas, almost like a fixed camera recording one continuous scene. The apple in its freshness and the apple in its gradual decay coexist, forming a quiet continuum within the painting. Because I often work in natural light, the changing light of morning and evening, of sunny and rainy days, is also accumulated within a single image.

Flowers, depending on the variety, rarely last even a week, so they require a much faster approach.

No matter how many times I paint the same subject, I try to approach it each day as though I were encountering it for the very first time—and perhaps for the last time as well.

Everything that has form will one day wither, break, or disappear. My paintings are, in part, an attempt to express that fragility and transience. As I mentioned before, although I do not address them directly, they also carry something of a prayer for those affected by the tragic crimes and accidents that I witness each week through my work at the courthouse. I try to allow the uneasy, abrasive feelings that arise within me to surface honestly in the paintings. Even a still life can hold many different layers of thought and emotion.

Shusaku Miyawaki

宮脇周作 Shusaku MIYAWAKI

1980: 福岡県生まれ
2002: 「京都同時代ギャラリーグループ展
2003: 「成安造形大学造形学部デザイン科
イラストレーション群イラストレーションクラス卒業
2003: EPSONピエゾグラフギャラリー京都 Mixed-Media展
2007: （京都・さるぅ屋Cafe 第一回個展
2008: 京都・さるぅ屋Cafe 第二回個展
2015: 東京新宿・花園画廊油彩画個展
2018: 東京銀座・ギャラリー枝香庵油彩画個展
2019: 東京日本橋・GalleryYUKI-SIS 「Still Life」グループ展
2022: 東京銀座・OギャラリーUP・S 油彩画個展
2023: 東京日本橋茅場町・GalleryYUKI-SIS 「Still Life – 静かないのち –」二人展
2025: 沖縄・平敷兼七gallery 「Postcard size Exhibition vol.4」グループ展; 沖縄・act201 二人展
2010～: 日本テレビ専属法廷画家

宮岡俊夫　A flower

宮岡俊夫　A flower　50×60.5cm　油彩、カンヴァス　2026

宮岡俊夫　Toshio MIYAOKA

宮岡俊夫は1984年島根県出雲市生まれ。2008年多摩美術大学美術研究科修了。東京、京都とアトリエを移したあと、現在は活動の場を島根県出雲市に移し制作活動を続けています。

Toshio Miyaoka was born in Izumo, Shimane Prefecture, in 1984. He completed the Master's Program in Fine Arts at Tama Art University in 2008. After relocating his studio from Tokyo to Kyoto, he has now returned to his hometown of Izumo, Shimane Prefecture, where he continues his artistic practice.

宮岡俊夫 A flower

宮岡俊夫 A flower　 22×27cm　油彩、カンヴァス、裏：新聞、コラージュ　2026

宮岡の制作方法はとてもユニークです。キャンバスの裏には、その絵のモチーフとなった、小さな切手大の写真の切抜きが貼ってあります。彼は、そのサイズの雑誌等の切抜きを見ながら描いていきますが、その時その切抜きは逆さまにしながら、その形と色をキャンバスに映しとっていきます。逆さまになったその切手サイズの切抜きからは、何が写っているのか詳細はわかりません。つまり、宮岡は、何を描くのか、対象物への一切の先入観を自分から排除し、その形と色、光を描くことだけにフォーカスして作品を描き上げていきます。

逆さまに描かれた作品は描き終わると、生の位置に戻されて完成となります。

Miyaoka's working process is remarkably distinctive. Affixed to the back of each canvas is a small image—roughly the size of a postage stamp—clipped from a magazine or other printed source. This tiny clipping serves as the painting's motif.

As he paints, Miyaoka works from the image turned upside down, carefully translating its shapes, colors, and light onto the canvas. At such a small scale and in an inverted orientation, the subject itself is no longer readily recognizable. By deliberately removing any immediate understanding of what he is depicting, he frees himself from preconceived ideas about the object, allowing him to focus solely on its formal qualities—shape, color, and light.

Only after the painting is completed is the canvas turned upright, revealing the finished image in its intended orientation.

宮岡俊夫 A flower

宮岡俊夫 A flower　 38×45.5cm　油彩、カンヴァス、裏面：新聞、コラージュ　　2026

キャンバス裏面

彼が絵画を描く上で試みているのは、この世の全ての風景や事象を「逆さまに描くモチーフにする」ということで、その存在を一旦「名もない匿名の存在」に変換し、結果的にアウトプットしてみること。

私たちは普段すべての事象について「これは〇〇である」という常識や存在理由、社会的な立場など、自分では知らずに刷り込まれていることがあります。同じものを見つめているが、それを一度思い込みのない状態で見つめて描いた時、そこになにが写っているのか。これが宮岡が絵画において試していることです。

宮岡は風景や、歴史的な事象などを描きつつも「花は、僕のスタイルの作品においてとても向いているモチーフだと思います」と語ります。

彼の作品には、どこかこわばり、ひっかかる感覚と新しい魅力を感じます。そしてそれは私たちの普段のなにげない視点をも根本的に問いただすような経験です。

At the core of Miyaoka's practice is an attempt to treat every image—whether a landscape, an object, or a historical event—as a motif to be painted upside down. By doing so, he temporarily strips the subject of its identity, transforming it into an anonymous presence before reconstructing it as a painting.

In everyday life, our perception is unconsciously shaped by assumptions: we immediately identify what we see, assigning names, meanings, functions, and social contexts to it. Miyaoka asks what might emerge if those preconceptions are suspended—if we were to look at the same subject with fresh eyes, free from habitual recognition, and paint only what is actually seen. This is the central proposition of his painting practice.

Although Miyaoka has depicted subjects ranging from landscapes to historical events, he remarks, "Flowers are particularly well suited to the kind of paintings I make."

His paintings possess a subtle sense of tension—something at once unfamiliar and quietly compelling. They invite viewers to reconsider not only the subjects before them, but also the very habits of perception through which we encounter the world.

宮岡俊夫　Toshio MIYAOKA

1984年: 島根県出雲市生まれ
2006年: 多摩美術大学絵画科油画専攻卒業
2008年: 多摩美術大学美術研究科絵画専攻修了

主な個展

2014年: 誰も知らない場所　ベイスギャラリー（東京); 記憶の外側で　トーキョーワンダーサイト渋谷（東京）
2016年: 名前を奪われた風景　KUNST ARZT （京都)
2018年: 何処か　私に　似ている　KUNST ARZT （京都）
2020年: 漂流する絵画　GAMOYON　Gallery　（大阪）; 漂流する絵画　YUKI-SIS　（東京）
2021年: 月光-風景　　 DOOR gallery　(松江); 記憶の痕跡　　日本橋三越本店美術サロン　（東京）; 天皇-精神の焼跡- KUNST ARZT (京都)
2022年: 月光-風景Ⅱ　 DOOR gallery (松江)
2023年: 反転した絵画　もう一つの風景　YUKI-SIS　（東京）
2025年: それから　YUKI-SIS　（東京）

主なグループ展

2016年: 第2回「藝文京展2016」入選作品展　京都芸術センター（京都）; 日韓藝術通信　京都嵯峨芸術大学付属ギャラリー　（京都）
2017年: FACE展2017損保ジャパン日本興亜美術賞展　損保ジャパン日本興亜美術館（東京）; 韓日藝術通信　Part2 　忠清文化芸術会館　（清州、韓国）
2018年: 風景の澱みから　井上光太郎・奈良田晃冶・宮岡俊夫展　2kwギャラリー（大津）; ASK-7人の作家　ART OFFICE OZASA （京都）
2019年: STILL LIFE 静物展　 YUKI-SIS　（東京）; 揺れる記憶　カッシーナ・イクスシー青山本店アートギャラリーDELL’ARTE　（東京）; The Super Dupers-妄想をカタチに変えたアーティストたち-　スパイラルガーデン　（東京）
2020年: 韓日藝術通信５「温度～往復書簡～」　忠北文化館森ギャラリー　（清州、韓国）
2021年: 日韓藝術通信５「温度～往復書簡～」　The　Terminal　Kyoto　（京都）; コンテンポラリーへの扉　日本橋三越本店　本館７階催事場　（東京）
2022年: YUKI-SIS１０周年記念展　　YUKI-SIS　（東京）; 日韓藝術通信７～Gift~　OHARANO　STUDIO　GALLERY　（京都）
2023年: 岩佐昌昭宮岡俊夫2人展「陰影の愉しみ」　一畑百貨店5階美術サロン（松江）

賞歴

2014年: 第29回ホルベインスカラシップ奨学生
2016年: 藝文京展2016 入選
2017年: FACE展2017損保ジャパン日本興亜美術賞展　読売新聞社賞